La Butaca de Cine

Surgimiento de los Géneros Cinematográficos

2011-05-13T23:34:00.001-07:00

Hace aproximadamente 116 años, los hermanos Lumière llevaron a cabo la exhibición de “La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir” (Empleados Saliendo de la Fábrica), considerada la primer película de la historia con una duración de apenas poco más de 45 segundos, fue así como el cine vio la luz y tras su surgimiento, fueron muchos y muy variados los proyectos ejecutados con la finalidad de llevar al público las imágenes en movimiento.

En sus inicios, todas las realizaciones cinematográficas poseían características muy similares y definir géneros entre una u otra era prácticamente imposible, generalmente con elementos en común. Las primeras películas ofrecían al espectador desde un inicio todos los elementos que le permitían deducir y comprender con facilidad la historia, poco complejas, frecuentemente creadas para entretener y divertir.

Dentro de las filmaciones llevadas a cabo durante la primera década del cine se pueden mencionar los empleados saliendo de una fábrica, la llegada de un tren, el paseo fantasma (filmación desde un tren en movimiento con la cámara colocada al frente), fantasías como la de los niños nacidos en campos de coles (La Fée Aux Choux, Francia 1896, considerada la primer película con guión de la historia), un viaje a la luna, peleas de boxeo y así una infinita variedad de acciones.

Los primeros años del cine fue una época más bien de experimentación de técnicas de filmación y se dejó deliberadamente de lado el contenido, la temática de las mismas, los realizadores y los espectadores estaban simple y sencillamente fascinados con lo que estaban viendo y con cada nuevo descubrimiento. Como ilustración de esto, podemos destacar el caso de Georges Méliès, cineasta e ilusionista parisino, que una tarde filmaba en las calles de París y su cámara se atascó, volviendo a funcionar unos segundos después, cuando vio lo que había filmado se asombró con el resultado, pues en la filmación habían autos y gente en determinada esquina y tras la interrupción, la imagen reaparecía, pero los mismos autos y personas habían desaparecido, este descubrimiento lo inspiró a filmar la película La Lune a Un Mètre (La Luna a Un Metro, Francia 1896), en la que se ve primero un observatorio y a continuación, un decorado teatral con la luna en primer plano, creando la sensación de estar viendo la luna a través del telescopio del observatorio.

Ahora bien, la finalidad de remontarnos a esta época es simplemente demostrar que no existían rasgos de la existencia de géneros cinematográficos en los primeros años de cine, y no fue sino hasta poco antes y durante la primera guerra mundial (entre 1903 y 1918) que se da la transformación de la técnica en narración y sucesivamente nacerían los géneros en el cine. El público simplemente se había cansado de las rápidas e impactantes escenas que le ofrecían las primeras películas y tuvieron que crearse nuevos métodos para atraerlo, así se descubrió que las secuencias de caza y persecución producían un efecto positivo en el público pues se trataba de acción pura, paulatinamente se experimentaron técnicas teatrales que permitían filmar otro tipo de películas, más drama y menos acción, un poco de cotidianeidad, una alternativa más.

El descubrimiento del montaje de continuidad dio lugar al primer largometraje de la historia en 1906 (The True Story of the Kelly Gang de John Tait), así surgieron las historias más elaboradas, los guiones extensos y se podía identificar cierta trama en la historia, ya el público no se deleitaba con pocos segundos o minutos de acción, sino con realizaciones que ya rondaban los 60 minutos de duración.

El montaje de continuidad fue solo un paso antes que dio el cine, para descubrirse mediante la experimentación, el montaje en paralelo, mediante el cual una acción y otra se llevaban a cabo de forma independiente pero simultáneamente, ocurrían dos o más acciones en el mismo momento, este fue el origen del “mientras tanto” en el cine, la forma como los cineastas crean tensión o hacen avanzar dos líneas argumentativas al mismo tiempo, técnica utilizada por Alfred Hitchcock en Strangers on A Train (USA 1951) que intercaló las escenas de un personaje jugando tenis, mientras que otro trataba de colocar pruebas en la escena de un crimen para incriminarlo.

Fue en India dónde surgió la primera película mitológica (King Harishchandra), y en esos años surgieron cuatro tipos de filmes en este país, las películas devotas sobre santos, las de tema mitológico, las históricas procedentes de novelas y melodramas y las de temática social que provenían del teatro reformista. Por su parte, en México se desarrollaba el cine de ficción y las películas más importantes se llevaron a cabo en los años 30’s y casi todas giraban en torno a Pancho Villa, mientras que en Italia el cine tenía un carácter predominantemente épico con obras como Cabiria (1913) y Quo Vadis (1912) entre muchas otras.

Cabiria impulsó en la mente de diversos realizadores el tema épico en las películas y en Rusia se exploraba lo más oscuro del alma humana en sus filmes, posteriormente dando paso a películas con carácter de propaganda política como Bronenósets Potyomkin de 1925.

Los años posteriores a la primera guerra mundial dieron paso a filmes de carácter político, romanticismo surrealista, épicos, terror, históricos y por supuesto Hollywood desarrolló la comedia como ninguna otra industria cinematográfica en el mundo, siendo Charles Chaplin la figura principal de este tipo de cine en la época, sin dejar de mencionar a Harold Lloyd y Buster Keaton.

De esta forma, más allá de los avances técnicos y del mero perfeccionamiento de las técnicas cinematográficas, el cine fue paulatinamente tomando la forma con la que lo hemos conocido, los géneros cinematográficos fueron surgiendo poco a poco y definiéndose y consolidándose conforme los cineastas probaban sus fórmulas en las pantallas.

Es así que hoy en día nos es posible distinguir géneros cinematográficos con base en diversos criterios, por su estilo (dramas, comedias, acción, aventura, terror, suspenso, ciencia ficción, musicales, fantasía, documentales) por su audiencia (infantiles, juveniles, familiares, adultos), por su formato (animados, imágenes reales) o por su ambientación (históricas, policiacas, bélicas, western).

Películas Snuff... ¿Mito o Realidad?

2010-02-26T08:32:00.000-08:00

Si bien Cambridge define snuff movie como "a violent pornographic film (= sex film) in which one of the actors is murdered", o sea una película pornográfica violenta en la cuál uno de los actores es asesinado, es casi generalizado el considerar más bien una filmación snuff como aquella grabación, en la cuál, sin la utilización de efectos especiales, se lleva a cabo la grabación de un asesinato, con el fin de comercializarla, no necesariamente se incluye el aspecto sexual en la misma. este tipo de películas son conocidas también como white heat o the real thing.

Ahora bien, a través de mucho tiempo he participado en diversas discusiones acerca de la veracidad de este tipo de filmaciones o incluso la posibilidad de que en realidad existan, pues pareciera tratarse de un mito urbano que se ha vinculado al cine más que un hecho comprobado.

Fue en 1999 cuando este tema volvió con fuerza a las discusiones cinéfilas, con la película 8 mm de Joel Schumacher, una producción alemana-estadounidense en la que se lleva a la pantalla el caso de la aparición de una película snuff, filmada mediante encargo por la suma de un millón de dólares. No tengo la intención de analizar esta película o basarme en la misma para exponer este tema, la cita es meramente ilustrativa.

Redes de pedófilos, sectas satánicas, sociedades secretas o círculos exclusivos de millonarios, son algunos de los posibles productores/realizadores de este tipo de filmes o al menos así se ha citado a través del tiempo, lo cierto es que poca gente o nadie ha sido testigo de la existencia de las mismas, para muestra cabe mencionar que el director Frank Henenlautter de películas de terror gore ofreció una recompensa de un millón de dólares a quien le mostrara una snuff sin obtener resultados, claro también podemos deducir que si alguien ha producido una película de este tipo no fue con la finalidad de ganar dinero o al menos no mediante una recompensa de este tipo.

¿Qué elementos se podrían encontrar tras una filmación de este tipo? Probablemente se trate de películas de bajo presupuesto, poco tratamiento o edición pobre, grabaciones de naturaleza empírica, poca gente involucrada en la producción/filmación, una o al menos pocas locaciones (casas de habitación, ranchos privados, etc), podrían llevarse a cabo en países con poco desarrollo en investigaciones de delitos relacionados con aspectos tecnológicos, así como víctimas desplazadas socialmente (prostitutas, inmigrantes, indigentes, etc).

En CanaTrans encontré una dato interesante que quiero citar en dónde se menciona que Ted McIlvana, custodio de la colección de 289.000 películas porno y 100.000 videos del Instituto para el Estudio Avanzado de la Sexualidad Humana, manifestó que sólo ha visto tres muertes en cámara en 25 años de dura investigación. Dos eran accidentes. El tercero era una "ceremonia religiosa bizarra en Marruecos donde un niño jorobado era descuartizado por caballos salvajes mientras los hombres que estaban alrededor se masturbaban".

En lo personal, durante mi investigación del tema tuve la no grata oportunidad de ver el video de un asesinato en la ciudad de Dnepropetrovsk en Ucrania, tras las investigaciones no se determinó causa o motivación alguna para llevar a cabo los asesinatos y menos aún para haberlos filmado, pero pareciera ser que este tipo de filmaciones es lo más cercano que existe a una película snuff, aunque si consideramos que para ser considerada una película, tras la misma debería existir un guión o al menos una trama, este video pasaría más bien a ser una filmación de un asesinato/muerte, similar a los videos producidos en los 90's llamados Los Rostros de la Muerte, que presentaba distintos accidentes, asesinatos y homicidios capturados en cámara.

Por demás está mencionar que a nivel mundial nunca ha sido procesado judicialmente alguien tras comprobarse que haya producido, filmado o participado de forma alguna en una realización de este tipo, pero el mito está latente y presente en las mentes de las personas que por determinadas razones llegan a escuchar de este tema.

Parece imposible a veces creer que esto pueda descartarse por completo, pues considerando que el cine tiene más de 100 años de existir, que se han producido millones de películas de toda naturaleza, que la realización de películas puede hacerse hoy en día incluso con teléfonos celulares, que existen mitos por comprobar y comprobados, así como mucho dinero ocioso buscando satisfacer necesidades infinitas e inimaginables. Por tanto, es imposible afirmar que nunca se haya producido una película snuff, pero si es posible afirmar que si esto ha sucedido, definitivamente al alcance del público nunca estará.

Quisiera retomar las palabras de Nicolás Quinteros que a manera de conclusión mencionó y que me parece que difícilmente podría superar.

Más allá de su real existencia o no, este tipo de films contiene algún elemento que provoca que el mito siga creciendo día a día. Las vinculaciones a determinados ritos satánicos, a perversiones sexuales y al simple comercio nos hace pensar en cuán enfermos estamos como sociedad. Que alguien alcance el éxtasis sexual, religioso o monetario mediante la tortura, el ultraje, el asesinato da una idea de cuántos problemas tenemos por resolver. Para el director Paul Schrader - quien hizo referencias a las snuff en su película Hardcore -, "el cine es un medio flexible. Es fácil simular una muerte en una cinta, que es en parte el motivo porque la gente cree en la existencia de snuff films. Ven muertes simuladas y creen que son genuinas. Creo que es posible que existan, pero existan o no es menos importante que la creencia de la gente en su existencia; es la voluntad de creer en una fantasía maligna. Eso hace al mito interesante".

Cine Truculento

2010-02-25T22:57:00.001-08:00

Este es quizás el artículo más extraño que me haya decidido a escribir, pero a su vez interesante pues mi emprendimiento en este caso es llevar a cabo el análisis de las producciones cinematográficas consideradas truculentas y con esto hago referencia a aquellas obras que sobrecogen o asustan por su morbosidad, exagerada crueldad o dramatismo.

El cine truculento no es un género como tal, si no más bien la adjetivización del cine por su contenido, por su muestra visual y por el apoyo que hace el mismo de elementos que ante la sociedad, o al menos ante la mayoría de individuos, sobrepasa los límites de lo socialmente aceptado o lo socialmente deseado y definido como correcto.

Este tipo de producciones son frecuentemente famosas por presentar escenas explícitas y generalmente evitadas, que por dichos elementos en ocasiones no logran transmitir (al menos no como sus realizadores desean) los mensajes entre líneas, el alma de la película, y en ocasiones terminan censuradas en diversidad de países por su contenido obsceno y su temática.

El cine truculento generalmente lleva a las pantallas actos de crueldad, tortura, abandono, sometimiento, degradación, castigo, aberraciones, bizarrismo, abuso, violación, promiscuidad, infidelidad, deslealtad, barbarie, crueldad, en resumen, comportamientos, actitudes y/o hechos que frecuentemente se desaprueban y resultan poco agradables de ver, difíciles de entender y fáciles de criticar. El simbolismo de estas películas puede ser difícil de desentrañar y a veces hasta invisible pero no inexistente, y la tarea interpretativa que necesitan estos filmes puede ser el mismo que se le dedica a la poesía más oscura.

A manera de ilustración y para lograr un mejor entendimiento acerca de las producciones truculentas, citaré el caso de la famosa película Trainspotting (1996) de Danny Boyle, en dónde escenas tales como la adicción a la heroína, el sexo promiscuo, y principalmente el hallazgo de un bebé muerto a causa del abandono de un grupo de amigos adictos a la droga, o las escenas en las que uno de los personajes se sumerge en un inodoro para buscar su dosis, resultan particularmente chocantes para la mayoría de espectadores que culminan tildando a la película de aberrante, pues escenifica actitudes y comportamientos inaceptables socialmente.

Más peculiar y no se podía describir de mejor manera una película truculenta, fue la crónica de la película Begotten (1991) de E. Elias Merhige que hallé:

"Me resulta imposible transmitiros algo que hay que ver para creer, algo que sólo puedo describir como una experiencia subjetiva que apela directamente a las vísceras y al subconsciente. Las imágenes nos atraviesan y no estamos seguros de si hemos visto lo que creemos haber visto, ni siquiera sabemos cómo se han formado en la córnea imágenes que jamás han aparecido en el film. Nunca percepción y observación han estado tan sutilmente separadas en el cine. Begotten es un film a palpar."

Para ser claro y sin pretender herir susceptibilidades les contaré por ejemplo que en Begotten una persona extrae sus vísceras en medio de un pozo de sangre mientras permanece sentada en una habitación con una máscara en su rostro, posteriormente otra mujer con un vendaje practica una felación a lo que "parece ser" un miembro masculino, para luego colocar el semen en su casi amorfo sexo, estos son parte de los elementos que complementan esta obra, destacable pero que nos deja la pregunta ¿en qué pensaban cuando idearon algo cómo esto?. La mayoría la consideran sumamente artística y posee una excelente fotografía en blanco y negro, adorada por algunos (una de las 10 mejores películas de 1991 según la revista Time) y repudiada por muchos otros.

Algunas otras películas truculentas destacables son: Straw Dogs (1971) de Sam Peckinpah que es un estudio sobre la violencia del ser humano basado en la novela "The Siege of Trencher's Farm", de Gordon M. Williams, Taxidermia (2006) de György Pálfi considerada un banquete de excesos en forma de genealogía grotesca, In the Realm of the Senses (1976) en donde por ejemplo la protagonista luego de matar a su amante mientras copulaban, asfixiándolo, le corta de un tajo el pene con un cuchillo, La Sconosciuta (2006) de Giuseppe Tornatore en donde la madre reprime a su hija, amarrandola de los pies y manos y empujándola constantemente al suelo para que aprenda a resistir los maltratos, en Saló o los 120 Dias de Sodoma (1976) de Pier Paolo Pasolini que tiene imágenes de coprofagia, o Gaau Ji (2004) de Fruit Chan en la que una ex ginecóloga que vive en un humilde barrio de Hong Kong vende una especie de pasta con propiedades rejuvenecedoras, los cuales están elaborados entre muchos ingredientes con fetos.

En fin, estas producciones son generalmente amadas u odiadas, los intermedios casi no tienen cabidad en este tipo de producciones, muchas de ellas son realmente obras maestras del sétimo arte malentendidas, explícitas en demasía, como escuché alguna vez, algunas de estas películas parecen ser amateur o una simple broma, pero no, ahí están y vale la pena mirarlas. Eso sí creo que es importante hacer la separación de los slashers hollywoodenses, son realmente distintas las unas de las otras.

Escenas crueles o truculentas hay a raudales en el cine, es el añadido de una carga emocional y sensible lo que hace que una escena impacte en el ánimo hasta sacarlo de quicio, estas películas son anzuelos escalofriantes que ponen los pelos de punta, dan ganas de llorar, retuercen el estómago y hacen que miremos a otro lado en muchas ocasiones, pero no dejan de ser fascinantes dentro de toda la amargura, angustia y desolación que provocan.

¿Cómo Hacer Cine?

2010-02-25T21:31:00.000-08:00

En esta ocasión traigo un documento más que destacable autoría de Alejandro Jodorowsky llamado ¿Cómo Hacer Cine?, pues bien, por si no saben quién es o con la simple intención de refrescar un poco acerca de este hombre, les contaré que Alejandro es escritor, filósofo, dramaturgo, actor, poeta, director teatral, director de cine, guionista de cine, ompositor de bandas sonoras, escultor, escenógrafo en cine, guinista de comics, dibujante, autor de "Fabulas Pánicas", instructor del tarot, mimo, psicoterapeuta y psicomago. Nació en Chile en el año de 1929, hijo de inmigrantes rusos, como lo define él mismo "nací en tierras conquistadas a los peruanos y bolivianos, en el paralelo 22", entre los 40's y 50's creó el teatro de mimos y realizó obras en el Teatro Experimental de la Universidad de Chile.

Abandonó Chile y en México comenzó su carrera fílmica. En 1970 realizó "Fando y Lis" y después "El Topo" en 1971, un western surrealista y existencial que permanece al cabo de los años como una película de culto admirada por cineastas y cinéfilos. Más tarde se radicó en Francia donde trabajó durante largos años como mimo en la compañía del afamado Marcel Marceau. Después de muchos años alejado del cine, realizó "Santa Sangre" el año 1989 y "The Rainbow Thief" ("El Ladrón del Arcoiris") en el año 1990.

Desde niño se vinculo con la magia, dos de sus cómics más difíciles de encontrar están nutridos de gran cantidad de esas enseñanzas: "El Dios Lama" y "Alef Thau". En esta última serie se le enseña a un niño sin brazos ni piernas a salir de su envoltorio físico -su cuerpo denso- utilizando otros vehículos (cuerpos) más finos y etéreos que cohabitan invisiblemente dentro del cuerpo denso. También se realizan viajes astrales, todo ello propio de la enseñanza esotérica.

Sus comienzos en el mundo del cómic se remontan a 1966, época en la que creó "Aníbal 5", una saga futurista dibujada por Manuel Moro. Al año siguiente concibió "Fábulas Pánicas", y en 1975 conoció a Moebius, un momento clave en la vida y obra de Jodorowsky, pues con este dibujante realizó la saga de éxito mundial, "El Incal", además de la adaptación de "Dune". Entre su extensa obra como guionista de comic, destacan "Alef Thau" dibujada por Arno, "El Angel Carnívoro" o la más reciente "El Dios Lama".

Hoy en día Alejandro Jodorowsky reside en París y mantiene una actividad intelectual frenética: todos los días escribe varios cómics que configura con diferentes dibujantes, escribe poemas, novelas, ensayos, más obras de teatro... sin parar. Obras que verán la luz en los próximos meses y años completando una hiperbólica obra de un autor único.

Ahora bien, tras presentarles un poco de su destacable biografía, les presento... ¿Cómo Hacer Cine?

Primera Lección:
Sentarse desde que amanece hasta que anochece frente a un árbol sintiendo la luz. Volver siete días seguidos y hacer lo mimo.

Segunda Lección:
Volver en la noche con una linterna e iluminar el árbol desde infinitos puntos.

Tercera Lección
Colocarse a un kilómetro del árbol. Mirarlo fijamente y avanzar centímetro por centímetro hacia él hasta que después de algunas horas se tope la corteza con la nariz.
(Las dos primeras lecciones sirven para desarrollar el sentido de la luz, la tercera para desarrollar el sentido de la distancia.)

Cuarta Lección:
Colocarse en un interior o paisaje y moverse pensando que el propio pecho fotografía, luego que la cara fotografía, luego que el sexo, luego las manos.

Quinta Lección:
Ponte en un lugar y siente que eres el centro de él. Luego siente que estás siempre en la superficie alrededor del lugar. Al final rompe la idea de centro y superficie. Estás ahí. todo está en ti y fuera de ti al mismo. Eres parte del lugar. Existe el lugar. ¡Tú has desaparecido!.

Sexta Lección:
Busca el color en lo que no tiene color. toma una página blanca y ve sus colores. Toma una página negra y ve sus colores. Ve los colores de un vidrio transparente. Descubre el arco iris en un pedazo de tierra, en un escupa, en una hoja seca. Expresa el color con materiales sin color. En verdad te pregunto, ¿sabes cuántos colores tiene la piel de tu cara?

Séptima Lección:
Siente las yemas de tus dedos como si fuera la punta de tu lengua. apoya las yemas en los objetos del mundo pensando que son frágiles, que la menor presión los puede quebrar. Pídeles permiso antes de tocarlos. Antes de apoyar los dedos en su superficie, siente cómo penetras en su atmósfera. Aprende a sentir y acariciar con respeto. Cualquier acción que hagas en el mundo con tus manos o tu cuerpo puede ser una caricia.

Octava Lección:
Piensa que los actores viven dentro de un cuerpo como centro de una caverna. Pídeles que no griten con su boca, sino dentro de su boca. Que no expresen con la cara, sino que sientan debajo de la cara. Cuando me desespero, desde adentro, doy puñetazos dentro de mi pecho que está inmóvil frente a la cámara. No me expreso con movimientos, sino con vibraciones. Vivo debajo de la superficie. La superficie del río no se mueve, pero tú sabes que lleva corrientes profundas.

Novena Lección:
No importan los movimientos de la cámara. Ella debe moverse sólo cuando no se puede quedar quieta. Tú llevas el alimento en la mano. La cámara es un perro. Hazla que con hambre siga al alimento. El hambre hace que el animal se borre. No hay perro, hay hambre, no hay cámara. Hay acontecimientos. Nunca te puedes comer la manzana entera en el mismo instante. Tienes que dar mordiscos. Mientras comes tienes una parte. Debes saber que el trozo que mascas no es la manzana entera. Nunca puedes tener la manzana entera en la boca porque por muy grande que sea tu boca, no puede caber en ella el fruto que es parte del árbol ni el árbol que es parte de la tierra. La pantalla es tu boca. Allí entran pedazos. Partes del accidente. No intentes trabajar con tomas absolutas. No creas que existe la mejor toma. A la manzana la puedes morder en cualquier sitio. Si la manzana es dulce, no importa por dónde empieces a comerla. Preocúpate de la manzana, no de tu boca. ¡Cineasta! Antología de fragmentos, tú también un fragmento; tu película inconclusa, eres parte, eres continuación. No hay cierres. Mata la palabra fin. Empezarás una película el día en que te des cuenta que simplemente continúas. No busques el prestigio. Desdeña los efectos. No adornes. No pienses lo que la imagen va a producir. No la busques. Recibe las imágenes. La caza está prohibida. La pesca permitida.

Décima Lección:
Nunca trabajes en el papel tus movimientos de cámara. Llega a los sitios pensando que no vas a mover la cámara, que no vas a iluminar, que no vas a inventar. Llega vacío, sin la menor intención. Echa a andar el motor de la cámara y vive. No crees escenas, crea accidentes. Esos accidentes no los crees en dirección a la cámara. Tú no estás haciendo una película, estás metido en un accidente. Parte del accidente son tus movimientos de la cámara.

Undécima Lección:
Y de pronto el gran placer. Una toma pensada con la cámara opinando con luz artificial, con “Actuaciones” (¡un verdadero postre!). En verdad te digo, por este camino puedes llegar a hacer películas de Hollywood de los años 40. Si quieres ser un gran cineasta de vanguardia, vuelve a filmar “Lo que el viento se llevó”, exactamente igual, con actores de cuerpos gemelos a los de Clark Gable y Vivien Leigh. Si logras que tu película no pueda distinguirse de la original, has pasado a la historia.

J-Horror

2010-02-01T21:14:00.000-08:00

Desde el momento en que nació el cine como expresión de la fotografía en movimiento, hasta la sonorización y digitalización del mismo, el género del terror ha estado presente con obras desde Frankenstein en 1910 hasta las últimas producciones comercializadas en Imax y 3D.

Pareciera que los seres humanos tenemos una recurrente necesidad de enfrentarnos a nosotros mismos, a nuestros miedos, a los miedos colectivos, a la histeria, al peligro, a través de terceras personas... el cine de terror se conforma precisamente de la sucesión de hechos que no queremos o podemos ver, pero tampoco dejamos de hacerlo, simple morbo, masoquismo o adrenalina, como se le llame, la mayoría de nosotros hemos disfrutado de alguna película de terror, independientemente de cuál sea el argumento pues en el cine terror se tratan tramas tales como el más allá, seres desconocidos y monstruosos (fantasmas, momias, espíritus, zombies, vampiros, extraterrestres), los seres de ficción y terroríficos (como el caso de Frankenstein o Alien), el miedo al sufrimiento y al daño físico.

Pero sin dudas, el terror cala hondo en nuestros subconscientes cuando este es de índole psicológico o social, cuando el mismo involucra elementos culturales arraigados a nosotros, nuestras creencias y por ende son un reflejo de los miedos con los que hemos crecido y se enfrentan los mismos de la manera en que nosotros lo haríamos, incluyendo esto las consecuencias que de igual manera se enfrentan y sufren.

Fue así que hace poco más de una década personalmente descubrí un película llamada Ringu, dirigida por Hideo Nakata, un cineasta japonés, cuando me di cuenta que en un país allá en el lejano oriente, del cual debemos confesar vergonzosamente la mayoría desconocíamos su producción más allá del manga o el anime... Ringu, The Ring o el Aro, como queramos llamarle fue sin dudas la película que tomó el estandarte del cine japonés y más que del cine, del terror, ahora bien, con esto no le otorgo el mérito a Nakata de haber sido pionero del género en Japón, sino de la exportación del mismo a occidente, seríamos muy cortos de pensamiento si creyéramos que este fue el inicio, la producción del cine terror japonés es realmente exquisita y extensa, pero tras de ella, tras cada obra hay un encanto particular, algo que nos atrapa, este cine de terror tiene ese no sé qué que logra involucrar a mucha gente... cuántas veces no habremos escuchado la expresión: "las películas de terror de Japón sí dan miedo, son las mejores...", bueno, pues me di a la tarea los últimos meses de ver algunas de estas películas, para, al menos desde mi perspectiva, lograr explicar esos elementos que hacen único al J-Horror, y sin ánimos y lejos de ser una autoridad en el tema, les traigo algunas de conclusiones.

Inicialmente, vamos a aclarar que J-Horror no es más que la abreviatura con la que en la cultura del cine en general se le conoce al cine de terror japonés, el terror que surge de esta increíble cultura que además de tecnología nos han enviado una buena dosis de insomnio para los que pierden el sueño con sus películas y los que no, al menos hemos recibido horas y horas de producción cinematográfica de resultados sorprendentes con presupuestos relativamente limitados, si comparamos las inversiones que sus pares americanos realizan en este tipo de producciones.

Caracterizado en gran parte por su emotividad, por lo explícito de sus presentaciones y lo macabro de la forma en que representan las escenas en el cine sin dejar de lado una fineza artística sin igual, que adornada de complots, efectos especiales, rostros demacrados, chicas poseídas, palidez, cabellos largos, pies y manos descuidadas, se encuentra arraigada muy profundamente a las creencias populares, a los mitos urbanos y a las leyendas que son parte de sus creencias, por tanto el J-Horror es la escenificación de aquello a lo que los nipones temen desde niños.

El terror japonés es por esto que se halla sumergido en un mundo de almas, ánimas y otros espíritus malignos, conocidos este tipo de entes en Japón como yūrei, que se consideran como entes apartados de una vida pacífica tras la muerte debido a algo que les ocurrió en vida, falta de una ceremonia funeraria adecuada, por cometer suicidio. Usualmente aparecen entre las dos de la madrugada y el amanecer, para asustar y atormentar a aquellos que les ofendieron en vida, pero sin causar daño físico. Pueden ser espíritus de madres muertas durante el parto o por causas violentas que han dejado a sus hijos, espíritus de personas muertas en accidentes, guerras, en el mar, almas de niños que suelen ser traviesos más no peligrosos, incluso pueden ser espíritus enamorados que no aceptan alejarse de su ser amado.

Por ejemplo, el caso de Sadako Yamamura (personaje principal de Ringu), es un espíritu de una adolescente muerta por causas violentas, hija de una madre soltera, una bebé que dormía poco y lloraba por su fobia al agua, fue criada por padres adoptivos, poco comprendida y con capacidad para tener visiones y hacerlas ver a otras personas fue maltratada, humillada y vivió una vida poco digna, por lo que adicionalmente a sus poderes en vida, se alimenta del miedo y aprovecha su condición de ente maligno no vivo para llevar a cabo su venganza.

Ahora bien, sería quizás un poco extraño si los japoneses no incluyeran los avances tecnológicos y estos no fueran utilizados por estos entes para llevar a cabo sus acciones, es así como en películas como Chakushin Ari (One Missed Call o La Llamada Perdida) se utiliza el teléfono celular en el cual suena un extraño tono, en la pantalla aparece “Llamada perdida”, cuando escucha el mensaje se escucha anticipadamente el momento final de la vida de las personas, en Jisatsu Sākuru (Suicide Club o El Club del Suicidio) la policía se encuentra con una web donde se marca un puntito rojo y uno blanco por cada mujer u hombre que se suicida, y los puntitos siguen creciendo, el problema es que nadie detecta quien o quienes son los culpable, en Kairo (Pulse) una computadora se conecta sola a internet y aparece una extraña página web, donde aparecen perturbadoras imágenes de habitaciones oscuras y finalmente un inquietante mensaje.

Bajo este panorama, no es de extrañar que comúnmente se concluya lo bien actuadas que terminan siendo las películas de terror japonés, esto pues los nipones bajo el contexto y la finalidad de retratar sus creencias, sus temores, incluyen elementos realmente terroríficos en sus producciones, parece ser que son quienes se toman más en serio esto de producir terror, mientras que en el terror americano comúnmente hay un “héroe” que enfrenta los peligros, alguien en peligro que sobrevive a los mil y un atentados contra su vida y que termina venciendo al ente, al monstruo, la poseída termina desposeída y siendo una dulce niña o en el peor de los casos todos mueren, pero en Japón no, pareciera ser más creíble la historia, su argumento no está en un guión, está en el vox populi, en la cultura, se toman en serio sus historias y por eso terminan siendo un terror psicológico que nos contagia y nos deja pensando en la veracidad, en la posibilidad de que algo así suceda.

En conclusión y sin pretensiones de enamorarlos del J-Horror, debo decir que a criterio personal me parece la japonesa la forma más honesta de tratar de llevar a la pantalla elementos que nos asustan, que creemos, que tememos, es una propuesta que, con sus excepciones, resulta casi impecable, realmente vale la pena sentarse a ver algunas de estas producciones.

El Cine Alternativo

2009-07-09T12:37:00.000-07:00

Contrario a lo que podríamos estar pensando, el cine alternativo, este concepto tan amplio y difícil de definir, es así, porque en realidad no hace alusión a ningún tipo de cine o género en específico, es decir, es un concepto más bien para un grupo de otros tipos de cine que no son de masas, que no es lo que con frecuencia nos encontramos en las salas de cine, por tanto se consideran una alternativa al cine comercial, al cine creado con el fin de obtener ganancias y tener éxito en las taquillas, poniendo así más énfasis en los aspectos artísticos y técnicos del cine y así es que el cine alternativo comprende una gama muy amplia de tipos o clasificaciones de de cine, donde podemos encontrar clasificaciones temporales como el Neorrealismo en Italia, Cinéma Verité en Francia, el Free Cinema en Inglaterra, Dogma 95 en Dinamarca, el Cine Novo en Brasil y más tarde el Nuevo Cine Latinoamericano; otras clasificaciones espaciales como el cine extranjero y otro tipo de cine que no se enmarca ni en el tiempo ni en el espacio, el cine independiente que hace más bien alusión al divorcio entre los realizadores y las grandes productoras, incluso a la separación de éstos con respecto a sus respectivos gremios.

El neorrealismo italiano surgió en la década de 1940, entre las cualidades que vinieron a definir esta corriente destacan por el empleo de actores no profesionales, el naturalismo a la hora de plasmar la trama, el uso de localizaciones reales, y el rechazo de lo pintoresco y estereotipado en los personajes, de forma que fuera posible conmover y, a un tiempo, estimular la reflexión socio-política. Pero lo básico fuera tal vez esa presencia de los escenarios exteriores, que de algún modo resumía una inquietud próxima al lenguaje de los documentales.

Como título inicial del ciclo, los estudiosos mencionan Obsesione (1942), de Luciano Visconti. Sin embargo, en buena medida quien acaparó los mayores méritos en esta labor fue Vittorio de Sica, responsable de filmes de calidad indiscutible, como Sciuscià (1946), Ladri di Biciclette (1948), Miracolo a Milano (1951) y Umberto D (1952).

Inmediatamente después del neorrealismo italiano surge un nuevo movimiento de cine en Francia, denominado "Cinéma Verite" o cine realidad, un estilo de cine que comenzó como una reacción europea hacia el sistema clásico de hacer películas. El cine de realidad suministra similares tipos de ilusión cinematográfica que encontramos en los clásicos de Hollywood, pero que incorpora, al realismo objetivo de las narraciones clásicas, el realismo "subjetivo", aumentando así la riqueza de la expresividad autoral.

El cinéma verité tiende a presentar personajes y situaciones de la vida real donde las cosas que pasan no siempre tienen un mensaje o propósito claro, y que en cambio se presenta muchas veces difuso, vago y hasta misterioso. A diferencia de los clásicos de Hollywood, el cine de realidad es considerado el más efectivo al retratar sus personajes más desde la vida real en toda su dimensión, porque el estado psicológico interior es incorporado también en el retrato de las tramas y personajes.

En Gran Bretaña, el Free Cinema se encuadra dentro de una estética contestataria, insatisfecha con la sociedad en que vive, crítica para con su sociedad puritana y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasionan la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en ellas. Su espíritu social es el de reacción contra las estructuras industriales imperantes, argumentos entre otros. Su contenido trasmite un mensaje basado en la lucha contra el establisment inglés, que imperaba en la sociedad de ese momento.

El año 1995, nace en Dinamarca un nuevo movimiento que pregona para el cine un nuevo concepto en la forma de hacerlo privilegiando la producción de películas simples, sin modificaciones en la post producción poniendo énfasis en el desarrollo dramático. Los directores en cuestión se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas y estos filmes se caracterizan por lucir un certificado que otorga la autenticidad del proyecto y de un número de matrícula. Este certificado lo expide un comité de jueces que valoran la película y se ciernen que cumple con el voto de castidad. Para lograr esto, establecieron una serie de reglas que en su conjunto llaman voto de castidad. Los principales puntos para obtener esta certificación son:

× El rodaje debe realizarse en exteriores.
× Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
× El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
× La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento (o inmovilidad) conseguido con la mano están autorizados.
× La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
× Los trucajes y filtros están prohibidos.
× La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
× Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
× Las películas de género no son válidas.
× El formato de la película debe ser en 35 mm.
× El director no debe aparecer en los créditos.

A principios de los años sesenta surgió en Brasil una generación de jóvenes realizadores que intentó combatir la situación de pobreza intelectual en que se veía inmerso el cine de este país, En su rasgo más esencial, la intencionalidad reivindicativa y crítica (con un claro compromiso de izquierdas) ha quedado siempre claramente manifiesta en el Cinema Novo. Como afirma el especialista Román Gubern, "el hambre, la alienación religiosa (cristianismo impregnado de paganismo), la sequedad de la tierra castigada por un sol implacable, la dominación colonial de los monopolios norteamericanos y el caciquismo latifundista son la savia que nutre a este cine de la indignación y de la cólera, en la más cabal expresión en clave poética del drama del Tercer Mundo que ha asomado hasta hoy en las pantallas".

El cine latinoamericano permanece durante gran parte de su historia sólo como la expresión aislada de cinematografías nacionales, en las que predominan los países de mayor producción: México, Argentina y Brasil, los que llegaron a concentrar el 89 % de la producción del continente. Sólo cuando el cine empieza a ser considerado más allá de una pura mercancía por los cineastas, artistas y críticos, y además, empieza a ser conocido por un público culto, empieza a germinar la idea de producir y difundir un cine auténticamente latinoamericano en el cuál se plantea la importancia del cine como expresión de identidad nacional y regional, así como lo son otros artes como la literatura, la pintura, la arquitectura y la música. Se destaca fuertemente la importancia del cine como instrumento didáctico, en lo político, social e histórico; como vehículo de denuncia de las desigualdades económicas, del atraso social y de la opresión política que sufren varios países del continente gobernados por dictaduras militares.

Una de las características del llamado "nuevo cine latinoamericano" ha sido el carácter personal de las películas. A diferencia del cine industrial que anteriormente dominaba el cine latinoamericano, el "nuevo cine" se basa en proyectos personales, de un director-autor que utiliza el cine como un medio de comunicación de sus ideas, sus emociones, su estética particular y la intención de reflejar en los filmes la identidad de su país. Cada película está indisolublemente ligada al nombre de su director. Es lo que los franceses bautizaron como "cine de autor", para distinguirlo de las películas en que predominan los objetivos industriales, de pura diversión, en las que poco importa quién las realiza.

Ahora bien, anteriormente he abordado algunos de los rasgos más destacables del cine alternativo, bajo la premisa de particularidades que se han dado en momentos determinados en algunos países que han hecho aportes muy importantes al sétimo arte, ahora bien para terminar es importante retomar otras dos clasificaciones que bien pueden enmarcar sus obras dentro de algunas de las corrientes ya anteriormente citadas, y estos son el cine extranjero y el cine independiente.

Con el cine extranjero entendemos el cine que es producido fuera de los Estados Unidos, más particularmente fuera de la máquina industrial que es Hollywood en este campo, por tal razón es que se ha dado en llamar cine extranjero al cine que no es “americano”. Aunque siendo más estricto con la definición, deberíamos considerar como cine extranjero a las producciones que han sido filmadas en otro país que no es el nuestro.

Finalmente, el cine independiente como lo definí de manera abreviada al inicio, hace alusión al divorcio entre los realizadores y las grandes productoras, incluso a la separación de éstos con respecto a sus respectivos gremios, son aquellas producciones que no cuentan con el respaldo de las grandes productoras cinematográficas, y por tanto no tienen grandes presupuestos para su financiamiento, se financian con capitales propios o de algunos inversionistas que se consideran realmente pequeños dentro del ámbito de la producción cinematográfica, además, por dichas circunstancias es común que cuenten con un equipo de profesionales en de producción, filmación y post-producción, que son prácticamente desconocidos.

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Agradezco a Hernán Montecinos la aprobación para utilizar parte de su material para el desarrollo de este tema.

Cine Comercial versus Cine Arte

2009-06-11T10:33:00.000-07:00

El sétimo arte, como se le conoce al cine, ha mostrado desde su nacimiento a finales del siglo XIX, con los hermanos Lumière, hasta la actualidad con el cine digital, muchos cambios y muchas variantes, podemos citar como “causales” a la tecnología, el entorno social, político, económico, las diferencias étnicas y culturales, hasta los criterios y gustos propios de cada realizador.

De esta forma, este arte ha ido tanto puliéndose como corrompiéndose a través del paso de los años, en retrospectiva es relativamente sencillo hacer un análisis de las tendencias y corrientes que ha habido en la creación de cine y es indudable el papel que en este desarrollo han tenido principalmente Estados Unidos y Europa.

Para empezar, el cine nació mudo, pero contrario a lo que pensamos que fue debido a los pocos avances tecnológicos, esto se debió a que el cine es un arte nacido de la fotografía, la puesta en movimiento de la fotografía y su impacto visual fue tal que nunca nadie se preguntó porque esas imágenes, esas personas no tenían voz, aunque la tecnología lo permitía ya en esas épocas, adicionalmente en Estados Unidos la acogida para esta nueva manifestación artística fue enormemente impulsada por tratarse de un país plagado de inmigrantes cuya barrera del idioma les otorgó a través del cinematógrafo un espacio de esparcimiento a prueba de idiomas, lo que extendió al cine por todo el mundo.

Ahora bien, sin pretensiones de crear de este espacio un compilado de hechos históricos que nos lleven paso a paso hasta el cine digital de 3D que vemos hoy en día, lo que no descarto hacer posteriormente, en esta ocasión me limitaré a hacer algunas referencias generales, que me permitan otorgarles una noción de la forma en que nacieron las estrellas de cine, Hollywood y toda la maquinaria comercial que ha sido motor del cine durante los últimos tres cuartos de siglo al menos, y la forma en que sus detractores han procurado hacer énfasis en lo artístico sobre lo comercial, por medio del cine independiente, principalmente.

Así fue que el cine se expandió por el Viejo Continente y Estados Unidos, Hollywood nacía amparado en una ubicación geográfica privilegiada, California, un estado con sol casi todo el año lo que era ideal para llevar a cabo las filmaciones, y con Hollywood nacieron las grandes productoras como FOX (posteriormente 20th Century Fox), Universal, Paramount y MGM (Metro Goldwyn Meyer), entre otras, con Hollywood nacieron las estrellas de cine, el director y los actores dejaron de ser artistas para ser contratistas de grandes corporaciones y el interés comercial comenzó a privar sobre el arte.

Fue la búsqueda de innovación para generar mayores ganancias lo que propició el nacimiento del cine como hoy lo conocemos, el cine sonoro, en el año 1927 por medio de los estudios Warner Brothers, y por último, la industrialización del cine, su mutación de arte a negocio dio a luz a los géneros cinematográficos (tema que también tocaré posteriormente): el cine documental, el cine histórico, el cine bíblico, el cine de gángsters, el cine negro, el cine fantástico, el cine de ciencia ficción, el cine de terror, el cine musical, el cine comedia, el cine western, el cine de aventura, el cine de acción y finalmente el cine animado; el arte había diversificado su oferta y ahora había de todo para todos los gustos y colores, porque Hollywood no solo le dio sonido, sino que también color a las imágenes.

Así nació el cine, así nació también el cine de comercial y con él su némesis, el cine independiente, pero antes de ahondar en esto cabe preguntarse ¿todo el cine comercial es malo? y ¿todo el cine independiente es bueno? Es claro que la respuesta para ambas es no, ni el primero es tan malo como se dice ni el segundo es un derroche artístico imperdible.

Por tanto, el sentido de mi propuesta es contraponer y destacar el cine como forma artística, independientemente si este proviene de Hollywood, Bollywood, si es cine independiente, extranjero, animado o experimental, por tanto con esto retomo la importancia y al menos mi predilección hacia el cine rico en todos sus aspectos audiovisuales, incluso dejando de lado el argumento de la obra que tenemos frente a nuestros ojos, simplemente no han logrado convencerme de su exquisitez la gran mayoría de obras que han sido hijas de las grandes productoras y que tras ellas traen de argumento los estudios de mercado y rating de muchos especialistas.

El cine como expresión artística tiene poca acogida entre la gran mayoría del público, pero tener la oportunidad de ver estas obras es un privilegio, mientras que el popcorn cine está disponible a diario en las salas de cine y en la televisión, está de más decir que entretiene porque yo mismo me he entretenido con estas producciones, pero es realmente conmovedor cuando uno encuentra obras realmente destacables.

En fin, la finalidad de este planteamiento era simplemente responderme a mí mismo ¿todo el cine comercial es malo? y ¿todo el cine independiente es bueno?, pues poco a poco me di cuenta que no, que el cine arte existe en ambas partes y el cine basura también, parece una cuestión de criterios, de gustos quizás, pero siempre enriquecedor contraponer posiciones incluso antagónicas para uno mismo.