El presente artículo pertenece y se ha reproducido con la autorización de Enrique Martínez-Salanova Sánchez, Vice-presidente del Grupo Comunicar, director de la revista Aularia y editor adjunto de la revista Comunicar.
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La animación es
la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras,
recortes, objetos, personas, imágenes computarizadas o cualquier otra cosa que
la creatividad pueda imaginar, fotografiando o utilizando minúsculos cambios de
posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano
capte el proceso como un movimiento real. Según el animador norteamericano Gene
Deitch, “animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria
creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento
cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de
la persistencia de la visión en la persona.”
Mientras en el
cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real (24 imágenes por
segundo), en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la
realidad (desde 24 hasta 8 imágenes por segundo).
Con la invención
del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la
animación. Más tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases
de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos
animados. McCay dio al dibujo animado la técnica básica con la que se ha
mantenido hasta el presente, pues los principios de la animación en papel, en
acetato o por computadora, la forma técnicamente más avanzada del género, son
exactamente los mismos; sólo cambian las apariencias.
En el caso de la
computadora, el truco del paso de manivela es llevado al extremo: la unidad
elemental manejada, el píxel, es mucho más pequeña que el fotograma, el
resultado es que el animador tiene el control total tanto del espacio -el
objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las imágenes. En el futuro,
el abaratamiento de costes permitirá una aplicación generalizada en
investigaciones científicas, en la generación de gráficos y recursos para la
educación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en los que, como suele
suceder, las aplicaciones aún están por llegar.
Diversos tipos
de animación
Existen
numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores
y de la técnica o de los objetos que se utilicen.
Dibujo animado
Los dibujos
animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada
fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación
por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910.
Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el
fondo. Más tarde, la técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en
computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros
intermedios.
Stop motion
Cuando la
animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop
motion, en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a
escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad
mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación “fotograma a
fotograma” o “cuadro a cuadro”, cuyo iniciador fue segundo de Chomón con su
llamado “paso de manivela”. Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel
o fotografías, se llama Animación de recortes (cutout animation).
En la animación
con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van
transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso, es un
proceso muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la
credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boda de muñecos, para cuando
sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda
ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente,
las computadoras facilitan la tarea.
Stop trick (literalmente “truco de parar”)
Tipo de efecto
especial cuando se filma un objeto y, mientras la cámara está apagada, el
objeto se coloca fuera de la vista de la cámara y entonces se vuelve a
encender. Al ver la película al espectador le parece que el objeto desaparece.
Georges Méliès descubrió
el stop trick accidentalmente cuando estaba rodando el tráfico de una calle de
París. El mecanismo de la cámara se atascó; el tráfico siguió moviéndose
normalmente pero la cámara dejó de rodar hasta que Méliès pudo arreglar el
mecanismo. Más tarde, al proyectar la película, quedó atónito al ver a un
ómnibus transformarse de repente en un coche fúnebre. Lo que realmente había
sucedido es que el ómnibus se había movido fuera de plano tras atascarse la
cámara y había sido reemplazado por el coche fúnebre cuando ésta siguió
rodando. Méliès usó esta técnica para filmar trucos de magia. Por ejemplo,
podía filmar a un mago y su chica ayudante; el mago hacía un gesto y Méliès
paraba la cámara. Luego le decía a la chica que se pusiera fuera de la vista de
la cámara y empezaba a rodar de nuevo. Al ver la película completa, parecía que
la chica había desaparecido tras el gesto del mago.
Esta técnica no
debe confundirse con la técnica stop motion, en el que se crea la totalidad de
lo rodado fotograma a fotograma.
Recambio de piezas
La técnica de “recambio
de piezas”, “replacement animation” (animación por reemplazamiento, o por
sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del
stop-motion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados
en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables. Consiste en
crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el
personaje. Un ejemplo fácil de comprender es diseñar diferentes cabezas –con
una sonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza que corresponda en el
momento adecuado del plano. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la
animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los
muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo
movimiento podría requerir una gran cantidad de piezas, en torno a las 20.
Puppertoons
El término
Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los
términos puppet –marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que se trataba de
animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos,
o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.
Film directo
Se denomina así
al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo
celuloide. Len Lye, neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el caso
de Norman Mclaren, dibujaba también la banda sonora.
Pixilación
Se denomina
pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u
objetos cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando
ligeramente el objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de una
filmación con el fin de crear una sensación diferente. Norman McLaren fue
pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), empleada
en su corto animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o su
cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dos personas realizan
movimientos muy complicados. Norman McLaren también experimentó con el dibujo
directamente sobre el celuloide, tanto de las imágenes como la realización de
la misma banda sonora.
Rotoscopía
Disney animó a
Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y
a otros personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en
infografía es la técnica llamada motion capture.
Animación limitada
Es un proceso de
creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos.
En vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos
cuadros son duplicados, se usa arte abstracto, simbolismo, repetición de fondos
y de movimientos para crear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace más
imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo característico son los
Picapiedra.
Animación flash
Flash es un
programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones,
contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de
hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de
animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.
Animación en 3D
Hace referencia
a un tipo de animación que simula las tres dimensiones, se realiza mediante un
proceso denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo
de 3D. Así podría decirse que en el proceso de renderización, la computadora “interpreta”
la escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen bidimensional.
Foto-realidad
Consiste en
trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una
película realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu
Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con
la que investigar en el futuro.
Animación motion capture y performance capture
La “Performance
Capture” es un avance reciente de las técnicas de captura de imagen por computadora.
Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la “Motion Capture”,
el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos
del cuerpo mediante sensores que son interpretados por una computadora. Ver
cine siglo XXI.
La consolidación del cine de animación en todo el
mundo
El dibujo
animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el
pintor franco-ruso-finlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y
correrías de Modigliani, convenció a la
compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo
abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez
influido por el anterior, realizaba cortometrajes experimentales abstractos,
como Rhythmus 21 (1921). La animación norteamericana se concentró en Nueva York
hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial
abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una
situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.
Lotte Reiniger,
fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de
sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del
príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se
conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol
(1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en
el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre
de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la
serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer, realizó John
Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding
Hood (1923).
Windsor McCay, en 1918, realizó el que es
considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25
000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e
imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas.
En las primeras
décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24),
de Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas
entre formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las
relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía
algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray,
dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un
camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.
En Japón, a
partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de
las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se
inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten
Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa
Mukuzou (El Portero). También en 1917,
Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable
nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de
monos y cangrejos). Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el
primer éxito mundial de la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno).
Noburu Ofuji, en 1927, realizó Kujira, La ballena en papel semitransparente,
cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodó remake de
La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde
recreó un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó
sonora, Chikara to onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer
animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en
Japón en aquellos momentos. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros
en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó
varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés
Mickey Mouse fue
un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir
del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt
Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los
dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos
económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse,
protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las
miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar
personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de
cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que perfeccionaron con
el tiempo, sobre todo al inventar la cámara multiplano, desarrollada por
Iwerks, que siempre estuvo más
preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en
sí, fundamental para obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar
el realismo de la producción de dibujos animados en el futuro. Fue Blancanieves
y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas de dibujos animados
de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidad del dibujo animado como cine
que podía competir con cualquier otra película.
En los mismos
tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con Disney, con personajes tan populares del
comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of
the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo
hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's Travels
(1939), en el que utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en
1915, con el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue
utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar
imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y,
por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados.
Disney lo utilizó en Blancanieves y los siete enanitos y puede ser considerado
un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Los Fleischer
realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y
Darwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los
hermanos Fleischer le dieron forma a The Song Car-Tunes, donde se animaban
canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la
letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop
en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves
de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada
en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre
los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En
1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr.
Bug goes to Town (1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de
Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie de elementos
realistas.
Paul Terry,
pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie
más famosa: Aesop’s Film Fables, y sobre todo a partir de los años veinte, en
la Paramount: Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer dibujo
animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow
(1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Terrytoons.
Walter Lantz,
autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y
posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados,
primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los
personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la
serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al
conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney
pero perdió los derechos sobre su comercialización.
En 1925, Willis
O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la
técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas
importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque
aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era en realidad un
muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong,
1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.
El neozelandés
Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una
técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes
experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y
marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).
Ub Iwerks,
separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento The Brave
Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde
pasó a la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933),
Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty
(1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros.
Las Silly
Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en
varias ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto
Sinking in the Bathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de
Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se
hizo la primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes
fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de
la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio
de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las
Looney Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie
Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin.
En 1932, el
checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente
político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no
puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base
de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y
negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los
compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza
técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que
también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel
recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes
distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos
colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi
por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra,
depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.
Oskar
Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en
1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que
denominó animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo
películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936.
Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue
incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las
famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música
clásica.
En Francia,
Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker,
en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se
animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres,
sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de
los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se
sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se
metían, la pantalla quedaba blanca.
En Rusia, en
1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El
mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como “el Disney de
Rusia”. La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos,
tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y la
arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son El
zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros
(1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50
del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina
figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En
1939, realizó el filme de marionetas La llave dorada.
En 1935, Len
Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, una de las
primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el
celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de
Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el festival de Annecy de 2005
lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia de la animación.
Su técnica la heredaría Norman McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistema
Kaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). En Free
Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre
la emulsión.
En 1936, Tex
Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también el
personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con
el personaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones
debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó
el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje
de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank
Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot
Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que
los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una
revisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes
de la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size
Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949).
En España se
produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo
García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la
mujer fatal de 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su
perrito y que realizó dos interesantes películas: Un drama en la costa y El
Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito.
En 1943, los hermanos Whitney, John y James,
llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las vanguardias cinematográficas y
más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de animación.
Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado
Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los
Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos por computadora.
George Pal, húngaro, fue el precursor de las
películas realizadas por Steven Spielberg y George Lucas. En 1940 inició la
serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, que revolucionó la
animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas
(ver arriba).
En 1945, en
Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney
constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas
diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr
Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.
El cine de
animación tras la Segunda Guerra Mundial
Tras la segunda
Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó
totalmente con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner
Bros.
Estados Unidos
Walt Disney.
Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de
los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de
aventuras con actores reales. En momentos de dificultades Disney decidió
economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La
primera de ellas, The Reluctant Dragon (1941), combinaba la acción real con
tres cortos de dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941). Con los
materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo dos
largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres caballeros (1945), Canción del
Sur (1946), en la que se mezclaban los personajes de carne y hueso con los
dibujos animados. La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas
(1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer
Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para Disney. En la primera
intentó recrear antiguos esplendores. Las restantes están llenas de momentos
inolvidables. La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los
estudios Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a mano, un
proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101 dálmatas (1961) por
otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la
compañía abordó la producción de películas de muy diverso contenido. Merlín el
encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se intercalaban y convivían
personales reales con los animados y El libro de la selva (1967), con las que
el estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas.
United
Productions of America (UPA). Walt Disney soportó en 1941 una huelga de
animadores que supuso la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos
Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el estilo
ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzaron a
promover la idea de que la animación debía seguir con mayor libertad en la
búsquedas de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de
dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los
parámetros realistas tan apreciados por Disney y quienes le siguen siendo
fieles. Durante la II Guerra Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda
pero, acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de
propaganda, y algunos de sus socios abandonaron la compañía. La Columbia
Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar
cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un
anciano al que su miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas. Los
miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo
de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y personal su
estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales.
Comenzaron con Gerald McBoing-Boing, de Robert Cannon, en 1953 realizaron
Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año siguiente es
premiado When Magoo Flew. En el mismo año hicieron The Tell-Tale Heart, una
adaptación de Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo
para profundizar en los estados psicológicos de los personajes. La UPA fue
vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry
vendió los Terrytoons a la CBS. El primer y último largometraje fue 1001
Arabian Knights, que cerró ese año las puertas.
Chuck Jones y
Friz Freleng fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y
directores, y sus trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y
Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Chuck Jones obtuvo
un Oscar por su cortometraje The Dot and the Line, El punto y la línea (1965) y
otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los
primeros en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así con la
influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de
Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como “estilo UPA”,
que abarataba los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus
creaciones más populares son Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos (Road
Runner). En 1953, utilizó la técnica de las 3-D en Lumber Jack Rabbit, el único
cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es
considerado por muchos como un maestro en la caracterización y la coordinación
de las imágenes. Friz Freleng introdujo varias de las estrellas más importantes
del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy
Gonzales y La pantera rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de
Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando
cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la
película La pantera rosa. El personaje se volvió tan popular que en 1964, con
un cortometraje para United Artists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Chuck
Jones y Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos
historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de
El anillo de los nibelungos en un cartoon que parodia la Fantasía de Disney. En
1963, Fritz Freleng dio vida a La pantera rosa para los créditos de un filme de
Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en
pleno auge diez años después.
Tex Avery, en
1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los años
cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy The Dog. Cuando
cerró Cierra el departamento de animación de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la
Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo éxito para la TV. En 1955
fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men (1955) y One Droopy
Knight (1957). En 1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound, con la que
ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el
mundo. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada, de
figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100
películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound,
Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros, se hicieron famosos en todo el mundo.
Charles M.
Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts, que logró veinte años de éxito
mundial para el animador, quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus
amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para
cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre
otras.
James Whitney,
en 1955, siguiendo los pasos de su hermano John, realizó Yantra. El término
yantra proviene del sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por
antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema de formas ópticas se
planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra, otras obras como;
Catalog (1961) de John Whitney o Lapis
(1963-66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del computadora
elaborando las imágenes fotograma a fotograma.
En 1961, Jordan
Belson, representante de la Visual music, establece la animación vanguardista a
partir de la manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures (1961),
Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984) y Epilogue (2005) que
representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, muy en
la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney.
Canadá
El National Film
Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que
convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno
de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos:
Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en
anuncios y videoclips.
Francia
En 1947, el
cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la
animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un
corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV, sobre todo Jean Image,
ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Jeannot
l’intrepide (1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979),
Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y famosas series como Joë chez les
abeilles (1960). El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 Paul
Grimault, La pastora y el deshollinador, que transformó y amplió en 1979 en Le
roi et l’oiseau. En 1963 el ruso
Alexandre Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada en Gogol. En 1964, el
polaco Walerian Borowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges.
Checoslovaquia
En los países
del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto
permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras
de inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka, (ver recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo
y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación con
marionetas. Consagró, con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo
que se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una
innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban
dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras
literarias, de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus
films y su gran influencia en una infinidad de animadores posteriores fue
denominado el Walt Disney de la Europa del Este. En 1950, Bretislav Pojar hizo
La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el
abuso del alcohol. Karel Zeman, realizó
Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los
pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y en 1958, combinando actores reales y animaciones, hizo La
invención diabólica, inspirada en Julio Verne. En 1959, Baron Munchausen,
imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y
Aprendiz de brujo, en 1977. Un animador de marionetas, Jan Svankmajer hizo La
última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del diálogo (1982) y Diario de
Leonardo (1988).
Rusia
Iván Ivanov-Vanó,
llamado el Walt Disney soviético, hizo en 1946, tras tres años de trabajo, el
primer largometraje animado soviético, El caballito jorobadito, una de las
obras maestras de la animación. Los negativos del filme se extraviaron y, en
1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Adaptó algunos cuentos rusos:
Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959)
y muchos otros. En más de 50 años de
dirección de cine animado, realizó interesantes películas como The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de
Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), The seasons, 1964, basada en la música de
Tchaikovsky, es una interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de
Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es The Battle of
Kerzhenets (Secha pri Kerzhentse), 1971, basada en la leyenda de la ciudad
invisible de Kitezh de Rimsky-Korsakov. La película es una fusión de los
antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el
ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los
aspectos dinámicos. Lev Atamanov realizó La bella y la bestia (1952) y La reina
de las nieves (1957), en una línea que pudiera llamarse neoclásica y que
influiría notablemente a Miyasaki.
Yugoslavia
La escuela de
Zagreb. “La característica esencial de la Escuela de Zagreb es que no
intentamos imitar a los demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en
la habilidad de expresarla dibujando” (Dusan Vukotic). En 1956, con El robot
juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en
Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su
prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de
animación reducida. En 1961 realizó Surogat, que logró el Óscar al Mejor
Cortometraje de Animación en 1961, primer no estadounidense en conseguirlo. En
la Escuela de Zagreb donde también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks,
Nikola Kostelac y Boris Kolar.
Polonia
Antes de Jan
Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso
en Polonia considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de
aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas. En 1957, ambos dieron
consistencia, contenido y arte al cine de animación en Érase una vez., mediante
una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con
fines satíricos. Combinan el dibujo y el collage (cut-out stop-motion) con
imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva
basada en la repartición del guion en escenas. En 1958 realizaron la obra
surrealista La casa (1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos,
materiales y técnicas, collages,
deformación de movimientos y animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes
son dos de las películas de Jan Lenica, que trabajó durante tres años para
realizar Adán II. Borowczyk aportó el perturbador Theatre de M. Mme Kabal
(1967) sobre la deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del país,
uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el otro, Borowczyk, en Francia.
Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo
de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo
(1956); Epigrama de neón (1959); El pequeño oeste (1960); La espera (1962),
premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechura es la revelación desde
el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de
Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la
calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977),
Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997).
Italia
Francesco Guido,
de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la postguerra
(L’ultimo sciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor
de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il
racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda
(1984), Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di Francia, de Giulio
Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y marionetas
en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra (1964)
y Pulcinella (1973). En 1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos
primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino
Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini. (Información de Miradas
audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
Japón
En 1947, Kon
Ichikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el
templo de Dojo, con títeres. En 1959, Osamu Tezuka trabajó en el largometraje
Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de
masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la
primera serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy
(presentado en 1961) fue el creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba,
el león blanco, Jungle Taitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009,
El pájaro de fuego y muchas otras. En 1963, se impuso la animación surrealista
y experimental del japonés Yoji Kuri: Locus, Face, Amor, Discovery of Zero, The
Chair, son cortos de este año, seguidos por Samurai (1965), The Eggs (1966),
Flower (1967), Imagination (1969) y Midnight Parasite (1977). Información de
Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
España
En 1945, se hizo
Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de
animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria
y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento
para los niños de todo el país. Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha
contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca,
para salvar a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las
aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo
Moreno y dirigida por José María Blay. En la animación española nació La
familia Telerín, de Juan Luis Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza
Ruperta, del programa televisivo 1, 2, 3.
La animación hasta 1980
La vida del cine
de animación se mantuvo, a pesar de la influencia de la televisión,
trasladándose a otros canales de distribución, y los cortometrajes animados
desaparecieron de los cines, salvo los grandes largometrajes de Disney, que
hasta la última década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines por
otros canales de distribución como el vídeo o más tarde el DVD. Sin embargo, al
cine de animación prosperó, se tecnificó y se especializó, fundamentalmente en
los festivales de cine y la televisión. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó
la animación para televisión y Disney la animación para cine.
Hanna-Barbera.
William Hanna y Joseph Barbera, ambos hijos de inmigrantes libaneses,
trabajaron juntos por primera vez en el estudio de animación de
Metro-Goldwyn-Mayer en 1939, cuando aparecieron Tom y Jerry. La productora
Hanna-Barbera introdujo la animación limitada, popularizada por UPA (United
Productions of America), como un método para reducir el costo de producción.
Esto contrajo una reducción en la calidad de la animación. Se especializaron en
la animación para televisión por la que ganaron ocho premios Óscar. Sus series
animadas más características son Loopy De Loop, The Huckleberry Hound Show, The
Yogi Bear Show, Tiro Loco McGraw, Don Gato, Jonny Quest, Los Supersónicos, y especialmente
Los Picapiedra. En 1969, estrenaron uno de sus personajes más populares: Scooby
Doo, que se transformaría en uno de los programas de televisión (ABC) más
vistos de toda la historia.
Filmation, una
empresa norteamericana, produjo teleseries basadas protagonizadas por
personajes famosos del cómic y de la literatura: Flash Gordon, Tarzán, el
Zorro, Batman y Robin, entre otros.
Ralph Bakshi. A
través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi, con sus primeras
películas pertenecientes al movimiento underground, abrió el camino a la
animación para adultos, en la que fue pionero, en ocasiones con la técnica de
la rotoscopia, por la que dio calidad en movimientos y dibujo. Realizó la
primera adaptación de El Señor de los Anillos (1978), con técnicas de
rotoscopia, y películas como Cool World (1993) que mezcla imagen real con
dibujos animados. También creó animaciones para adultos como Fritz el gato
(1972) basado en el personaje de Robert Crumb.
Las industrias
de Europa del Este y la URSS, se convirtieron en las más potentes del mundo: la
producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión
para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. En
1965, el dibujante de historietas Nedeljko Dragic dirigió su primer corto,
Elegía, exploración en un mundo absurdo, lleno de humor, dentro de la llamada
Escuela de Zagreb. Dragic continuó con los cortos Domador de caballos salvajes
(1966), Strip-tease (1969), La puerta (1970) y Tup Tup, de 1972, que obtuvo una
nominación al Oscar. De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es
el checo Jan Svankmajer, que trabaja con muñecos, utilizando la técnica de
stop-motion. No obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras
de arcilla, muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas.
Consigue crear un clima de pesadilla. Algunos de sus largometrajes son Neco z
Alenky (Alice, 1988, basado en “Alicia en el país de las maravillas”, de Lewis
Carroll, Faust (Fausto, 1994) y en los últimos tiempos Otesánek (2000, y Sílení
(2005). Ha influido mucho en cineastas actuales como Tim Burton o Terry
Gilliam.
En Japón es de
destacar Osamu Tezuka, pionero del cómic actual japonés (manga) y de los
dibujos animados nipones (anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y
con ella la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom
(Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), que rodaría más
tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon no Kishi (La princesa
caballero).
En Europa
occidental se hicieron películas los logros fueron más puntuales: películas
como Yellow Submarine (El submarino amarillo, 1968), de George Dunning, un largometraje de
animación cuyos personajes principales representan a The Beatles. La original
estética de los dibujos, con colorido y
estética entre naïf y psicodélica, emanó del estilo y el trazo de Heinz
Edelmann, un conocido ilustrador y diseñador alemán. Hace una panoplia de
homenajes a pintores como los relojes blandos de Dalí, los bombines y las manzanas
de Magritte, y a personajes del cine como Frankenstein o Marilyn Monroe. En
Francia continuó el ruso Iván Ivanov-Vanó que estrenó Se puede, No se puede,
seguido por La leyenda del gigante malvado (1968), Ave María (1972), El lago
mágico (1979) y La fábula del zar Saltán (1984), que cierra su filmografía.
René Goscinny se inspiró en la famosa historieta francesa de Asterix El Galo
para concebir series de televisión, largometrajes para cine y recopilaciones en
video y DVD.
Bruno Bozzetto
es un famoso animador de nacionalidad italiana creador de muchos cortometrajes,
principalmente de naturaleza política o satírica. En 1965 realizó su primer
largometraje animado, West and Soda, parodia de los western americanos. En 1968
hizo VIP, mio fratello superuomo, en donde parodiaba el género de superhombres.
Su personaje más famoso, es el Signor Rossi, protagonista de siete
cortometrajes animados, y del que se llegaron a realizar tres películas: El Sr.
Rossi busca la felicidad (1976), Los sueños del Sr. Rossi (1977), y Las
vacaciones del Sr. Rossi (1977). Su trabajo más conocido es Allegro non troppo,
1976, un montaje a base de trozos de sus cortos, aplicados a la música clásica
a la manera de la Fantasía de Disney. En 2002 hizo Mammuk, un filme animado
sobre el cine en épocas prehistóricas. En la actualidad está haciendo
cortometrajes satíricos con la técnica del flash.
René Laloux
ejercitó de manera conjunta la dirección de películas de animación y la
pintura, en un desbordante universo en el que cualquier fantasía era posible.
En 1960, hizo su primera película de animación, en el estudio de Paul Grimault,
Les dents du singe (Los dientes del mono), un cortometraje escrito y dibujado
por un grupo de enfermos de la clínica psiquiátrica de Cour Cheverny, de la que
era director. Con el grafista Roland Topor hizo tres películas: Les temps morts
(Tiempo muerto, 1964), Les escargots (Los caracoles, 1965), y La planète
sauvage (Planeta salvaje, 1973), con el que ganó el Grand Prix del Festival de
Cannes. Con el dibujante de comics Moebius hizo Les maîtres du temps (Los amos
del tiempo, 1982), y con Philippe Caza, el cortometraje Comment Wang Fo fut
sauvé (Cómo fue salvado Wan-Fo, 1988) y el largometraje Gandahar (Caza para
Gandahar, 1988). En 1979, El rey y el pájaro, Paul Grimault, realizó uno de los
mejores animados de todos los tiempos, inspirado en Andersen.
En el cine de
animación canadiense, además dentro de la continuación de las actividades del
National Film Board of Canada y de Norman Mclaren, en 1970, Frederic Back, una
de las leyendas del cine de animación canadiense, consiguió su primer gran
éxito internacional con Abracadabra (1970), seguido de Inon ou la conquete du
feu (1971), La creation des oiseaux (1973), Illusion (1974), Tout Rien (1979,
nominado al Oscar y Crac, 1983, que fue seleccionada como una de las seis obras
maestras de la animación en la Olimpiada de este disciplina, celebrada en Los
Angeles. Caroline Leaf alcanzó fama internacional con The Street, en pintura
sobre cristal. Dirigió más tarde The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977) y Le
tigre et le renard (1986). (Obtenida en Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
En 1975, Garri
Bardin, ruso, que fue director del teatro de marionetas, realizó El fin del
cielo. En la década de los 80 realizó animación tridimensional de objetos,
títeres y marionetas de diversos materiales: El lobo gris y la caperucita roja
(1990). En 1980, Yuri Norstein presentó El cuento de los cuentos, considerada
una de las mejores películas de animación jamás realizada.
En España, se
realizó en 1965 El mago de los sueños, protagonizada por la familia Telerín, de
Francisco Maciá, quien junto a Cruz Delgado y José Luis Moro se convirtieron en
los puntales de la animación española, junto a Maite Ruiz de Austri, la autora
de El regreso del viento norte (1995) y La leyenda del unicornio (2001).
El cine de animación en occidente en las últimas
décadas
El cine de
animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída del telón de
acero logró además que muchos animadores de los países del este pasaran por
todo el mundo aportando su experiencia.
Disney continuó
en EEUU con sus momentos de esplendor, con películas como La Sirenita, (The
little mermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements y La bella y la bestia
(Beauty and the Beast, 1991) , de Trousdale y Wise, y su decadencia, al mismo tiempo que crecía una
pequeña entidad, Pixar, de John Lasseter que de ser una desconocida empresa
infográfica experimental en los años 80 pasó a ser la más importante productora
de animación del mundo, con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos,
Monstruos S.A., etc. En 1991 Pixar y Disney unieron fuerzas e hicieron varios
largometrajes en común. En 2004 Pixar y los estudios Disney rompieron sus
relaciones, hasta que en enero de 2006 Disney adquirió Pixar Animation Studios
y cedió el control de su estudio de animación a los directores creativos de
Pixar.
Frederic Back,
canadiense, en 1988, realizó L´Homme qui plantait des arbres, con el que ganó
abundantes internacionales y el Oscar al mejor cortometraje de animación del
año; después hizo Le Fleuve aux grandes
eaux (1993), que recibió el gran premio en el Festival de Annecy y también fue
nominado al Oscar.
Brad Bird, un
animador educado en la serie Los Simpson, realizó en 1999 El gigante de hierro
(The iron giant), película que está a la altura de las mejores películas de
dibujos animados. Está ambientada en plena paranoia de la Guerra Fría, y cuenta
la historia de un niño que hace amistad con un robot venido del espacio, un
relato lleno de ternura basado en un
relato que el poeta Ted Hughes escribió para consolar a sus hijos de la muerte
de su madre, es una película independiente hecha con pocos medios para lo que
el cine de animación suele utilizar.
Pesadilla antes
de Navidad (Tim Burton's The Nightmare
Before Christmas, 1993) de Henry Selick, está basada en un poema de Tim Burton,
que había trabajado con Disney. Fue producida por él mismo, está realizada con
muñecos de látex y tiene todos los elementos característicos del cine de
Burton. El guion y los derechos estaban desde hacía años en manos de la Disney,
por lo que Burton volvió a la compañía para poder realizarlo. Aunque tuvo mala
recaudación y fue muy criticada en su momento, actualmente es una película de
culto. Más tarde hizo, en 2005 y con el mismo sistema, La novia cadáver, Tim
Burton's Corpse Bride. El estilo de Burton es de influencias góticas, llenas de
romance y fantasía. En ocasiones relatan
las vivencias de personajes lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad
o personajes populares que no se logran sentir en concordia con su estatus social.
Actualmente está trabajando en Alicia en el País de las Maravillas, adaptación
de la novela infantil y contará con la técnica “3-D” y “Performance Capture” en
su rodaje, y su siguiente proyecto será un remake de su cortometraje,
Frankenweenie, el cual habrá de adaptar en un filme “3-D” acompañado de la
técnica “stop-motion”.
Bill Plympton
realizó varios cortometrajes y dos largometrajes de cierto interés, Me casé con
un extraño (I married a strange person!, 1997) y Mutant aliens (2001). Bill
Plympton es un frenético humorista, que realiza sus dibujos de forma muy
artesanal, de gran expresividad y tintes surrealistas y bastante duros y
gamberros, con escenas fuertes de sexo y violencia.
En Francia,
Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de
ambiciones y calidad notables. Tras trabajar con Disney, que no le sedujo,
probó diversos estilos. Los tres inventores (1980) es un largometraje realizado
con papel blanco recortado y blondas de pasteles. Su infancia en Guinea,
Africa, la reflejó en Kirikú la Bruja, 1998, y Kirikou et les bêtes sauvages
(2005), que le llevaron a la fama. Realizó también Princes et princesses (1999)
y Azur & Asmar (2004), ambientada en Oriente, sobre la inmigración y la
integración entre culturas.
Sylvain Chomet
es un animador francés influenciado por el surrealismo de Svankmajer y los
dibujos de Walt Disney, conoció a Didier Brunner, el productor de Las Trillizas
de Belleville, con los que trabajó desde Canadá. En 1995 dirigió La Vieille
Dame et les Pigeons con Nicolas de Crécy, con los que recibió varios premios y
estuvo nominado al Oscar y al César. En 2002 dirigió Leon La Came y más tarde
continuó con la producción de Las trillizas de Belleville. Su estilo tiene
mayor influencia de la cámara que de la animación, y está basado sobre el mimo
y la interpretación de los personajes.
Pascal Morelli,
aunque nació en parís, trabajó muchos años como animador en Los Ángeles y Tokio y trabajó en storyboards
para largometrajes. En 1994, dirigió las series de dibujos animados The busy
world of Richard Scarry, para Paramount, Arsene Lupin para France Animation, y
Calamity Jane para Warner Bros-Kayenta. Admirador de Hugo Pratt, realizó en
2002 Corto Maltesse: La cour secrète des Arcanes.
En el Reino
Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación
con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus
cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park). Nick
Park, británico, creo los personajes animados en plastilina de Wallace y
Gromit, por ejemplo Wallace y Gromit: la
maldición de las verduras (2005) y colaboró en varios proyectos ganadores del
Óscar de Hollywood. En 2000 dirigió Evasión en la granja, Chicken Run.
Siguiendo la
tradición de la animación con marionetas, el checo Jan Werich, realizó el
largometraje titulado Fimfárum, 2002, una moraleja humorística acerca de la
vida de los hombres, que reúne cinco cuentos de varios libros conocidos,
divertidas parodias sobre el destino del ser humano. Werich influyó en varios
animadores checos, Petr Poš y Martin Velíšek.
Como animador
cubano hay que destacar a Juan Padrón, dibujante de historietas, que comenzó a
trabajar en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industrias Cinematográficas)
en 1974 como director de dibujos animados. Creó las series de animados
Filminuto y Quinoscopio, esta última en colaboración con el humorista argentino
Quino, creador de Mafalda. Su primer largometraje, en 1979, fue Elpidio Valdés
y el segundo, Vampiros en La Habana, en 1985.
La animación japonesa en los últimos tiempos
Tras Osamu
Tezuka, el anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del
planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son
innumerables, y siempre van unidos el cine, la televisión y el cómic, en
cualquiera de sus dos facetas, el “shojo manga”, o relato romántico para el
público femenino, y el “mecha”, o historia de robots, por lo general repleta de
escenas de lucha y devastación. Es frecuente que cuando una compañía desarrolla
una nueva línea de cómics (los llamados manga), tenga presente su adaptación a
dibujos animados (anime), que se emitirán en forma de teleserie, serán vendidos
en vídeo o llegarán al cine en forma de largometraje, y siguen siendo la
atracción principal para millones de aficionados. La fuerza, tras unos años de
inactividad del cine japonés, llegó de la mano de Nausicaa del valle del viento
de Hayao Miyazaki y Akira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animador
independiente Koji Yamamura, que combina la escultura en barro con figuras
tridimensionales, fotografía, crayola y multimedia, mezclando técnicas y
tendencias como el puntillismo y minimalismo, y que ha logrado un gran
reconocimiento en Occidente, ni a Akira Toriyama el responsable de la moda del
manga y el anime con la producción Dragonball (1986-1989). Para llevar a dibujo
animado la historieta de Osamu Tezuka, Metrópolis, se unieron dos directores,
Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de ciencia ficción, donde no
falta el barroquismo urbanístico high-tech.
El anime se
caracteriza en general, aunque hay obras de mayor complejidad, por la sencillez
de su trazo, la estructura narrativa lineal y una tecnología basada en la
economía de imágenes, lo que hace el proceso de elaboración relativamente
rápido, que los convierte en productos baratos en los mercados internacionales.
Se han dado así coproducciones importantes para televisión con los países
occidentales, como Heidi (1974), Vickie el vikingo (1974-1975) y Las aventuras
de la abeja Maya (1975-1976), con la empresa alemana Bastei Verlag, Ulises 31
(1988) con el estudio francés de Jean Chalopin y Las aventuras de Sherlock
Holmes (1984-1985) con Radiotelevisión Italiana (RAI).
El camino del cine digital actual de animación
Desde la última
década del siglo XX, el gran cambio que ha sufrido el cine de animación se debe
a la inclusión de computadoras en el proceso técnico y creativo de las
películas. La primera secuencia en la que se utilizó el computadora para su
crear un diseño y ambiente que diera la idea de que la cámara se movía en todas
las direcciones, fue en 1991, en el baile de La bella y la bestia. Desde
entonces, la tecnología digital ha entrado de lleno en la realización de
películas animadas, facilitando la tarea de diseñadores y creativos y
finalizando casi por completo la animación tradicional.
Toy Story, la
primera película realizada totalmente por computadora, en 1995, la produjo
Disney y la realizó la compañía especializada Pixar, con un rotundo éxito
comercial que dio vía libre a todo un mundo de posibilidades creativas.
Hormigaz, Antz,
(1998), la segunda película por computadora, se realizó en los estudios
Dreamworks, fundados por Steven Spielberg y el antiguo jefe de animación de
Disney Jeffrey Katzenberg. Esta película compitió con el predominio de Disney y
creó las bases para unos nuevos contenidos en el cine de animación.
Los dibujos
animados, compiten en las últimas décadas entre esos grandes estudios, por una
parte Disney-Pixar (que se unen y se desunen), con películas como Toy Story 2,
Bichos, Monstruos S.A. o Buscando a Nemo, que ganó el Oscar a la mejor película
de animación en marzo de este año y Dreamworks, con grandes éxitos de taquilla
como Shrek y Shrek 2, que se ha convertido en la cinta animada más taquillera
de la historia.
Mientras tanto
otros estudio han iniciado su carrera por los dibujos animados: Fox, La edad
del hielo y sus secuelas, Columbia, con Final Fantasy, Paramount, Jimmy Neutron
y Warner, The Polar Express, de Robert Zemeckis.
En España, la
empresa gallega Dygra Films, hizo su primera película El bosque animado,
largometraje basado en la novela de Wenceslao Fernández Flores.
Dreamworks. DreamWorks Pictures (SKG)
SKG, por las
iniciales de sus promotores, Dreamworks. DreamWorks Pictures, traducido al
español como “La Fábrica de los Sueños”, es un estudio cinematográfico fundado
en 1994 por Steven Spielberg, David Geffen y Jeffrey Katzenberg. El sueño de
Spielberg fracasó y vendió su empresa a Paramount, que ha realizado numerosas
películas de ficción, algunas de ellas de un gran éxito, como Gladiator, Salvar
al soldado Ryan y American Beauty.
En octubre de
2008 DreamWorks acordó el fin de su vinculación con Paramount Pictures y volvió
a establecerse como empresa independiente con el apoyo financiero de un grupo
indio, RBE, continuando con sus películas de animación.
Antz (1998), El
príncipe de Egipto, Chicken Run: Evasion en la Granja, Joseph: King of Dreams y
La ruta hacia El Dorado (The Road to El Dorado) en el 2000. Shrek (2001),
Spirit: Stallion of the Cimarron (2002), Simbad: Legend of the Seven Seas
(2003), Shrek 2, Ghost in the Shell 2: Innocence, El espanta tiburones en 2004,
Madagascar y Wallace y Gromit: La maldición de las verduras en 2005, Vecinos
invasores, Ratonpolis en 2006, Shrek III y Bee Movie en 2007, Madagascar 2:
Escape de África y Kung Fu Panda en 2008, Monstruos vs. Aliens y Crood Awakening en 2009 y están en proyecto
para estrenar en 2010 How to Train Your Dragon, Shrek Goes Fourth, y para 2011
Kung Fu Panda 2: Pandamonium, Puss in Boots: The Story of an Ogre Killer,
Madagascar 3 y para 2013, Shrek 5
Pixar/Disney
Pixar Animation
Studios es una compañía de animación por computadora especializada en 3D,
ubicada en California. Ha ganado 7 premios Óscar de la Academia por sus
cortometrajes, largometrajes y logros técnicos.
Tras Toy Story, 1995, la primera película
comercial totalmente realizada por computadora en 3D, ha alcanzado por su
propio sistema de renderización (RenderMan), una alta calidad. Fue dirigida por
John Lasseter antiguo trabajador de Walt Disney, y recibió, además de otros
Óscar, un Oscar honorífico especial por ser la primera película animada por computadora
de la historia.
Con Monsters,
Inc.(considerada por muchos el mejor film de Pixar hasta la fecha) transformó
en imágenes la perfección. En 2004 Pixar y los estudios Disney rompieron
relaciones que restituyeron en 2006 cuando la Disney compró Pixar, haciendo a
Pixar un subsidiaria completamente de Disney.
Los
largometrajes que ha realizado: 1995, Toy Story, 1998, Bichos (A Bug's Life),
1999, Toy Story 2, 2001, Monsters, Inc., 2003, Buscando a Nemo (Finding Nemo),
2004, Los Increíbles (The Incredibles), 2006, Cars, 2007, Ratatouille, 2008,
WALL·E, 2009, Up. Es de destacar For The Birds (2000), Óscar al mejor corto de
animación.
Animación para televisión
Aunque la
animación para televisión la ocupa prácticamente la japonesa, anime, hay que
desatacar dos productos occidentales que han ocupado una gran parte del
mercado.
Los Simpson,
realizados por Gracie Films para Twentieth Century Fox y Fox Network, cuyo
creador es Matt Groening, que comenzaron como un breve espacio de 2' en el
programa televisivo "The Tracey Ullman Show" en 1987. Se consolidó
como serie autónoma en diciembre de 1989 aunque las transmisiones regulares no
empezaron hasta enero de 1990. Es una imagen irreverente da la familia
norteamericana, muy peculiar. A partir de ella se hace una crítica de toda la
cultura occidental y sus valores.
South Park es
una serie distribuida por Warner Bros, y transmitida por Comedy Central desde
el año 1997 en Estados Unidos. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que
viven en el pequeño pueblo llamado South Park, Colorado. Es una crítica de muchos
aspectos de la cultura estadounidense y de sus firmes creencias, con un
lenguaje desenfadado.
El documental animado
Sheila M. Sofian
define el documental de animación como “toda película animada que parte de
materiales de no ficción”.
Los historiadores
sitúan el origen del documental animado en 1918, año en que el pionero Winsor
McCay realizó El hundimiento del Lusitania, The sinking of Lusitania,
recreación del episodio ocurrido en 1915, que recrea el ataque de un submarino
alemán a un lujoso crucero Británico con 2000 pasajeros, que marcó la entrada
de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y del que no se habían
registrado imágenes documentales.
Siguiendo esta
tradición en la animación y coincidiendo con el éxito de Nanook el esquimal,
Nanook of the North, de Flaherty, considerado el primer documental de la
historia, los hermanos Fleischers (Max, Dave, Joe, y Lou), inventores,
animadores y hábiles comerciantes que rivalizaban con el poderoso Disney,
produjeron el primer largometraje de animación, el cual fue precisamente de no
ficción: Einstein´s Theory of Relativity, en 1923.
En el terreno de
la animación experimental, John y Faith Hubley realizaron diversos cortos entre
1959 y 1973 que partían de la grabación de las voces de sus hijos. Wallace y
Gromit, ha dedicado buena parte de su filmografía a encontrar una expresión
animada para esas derivas del habla cotidiana que no suelen encontrarse en los
estudios de doblaje: en sus series de cortos Animated conversations (BBC, 1978)
y Conversation pieces (Channel 4, 1982), las voces grabadas de taquilleras de
cine, pensionistas y presos inspiraban una sucesión de registros animados.
Algunos ejemplos
cercanos en el tiempo son Late Edition (Peter Lord y David Sproxton, 1983)
sobre un hombre que trabaja en la última edición de una revista y que utiliza
grabaciones de gente y locaciones reales como bases. Grave of the fireflies
(Isao Takahata, 1988) basada en la novela del japonés Akiyuki Nosaka y que
narra, su experiencia infantil en los bombardeos de la segunda guerra, basado
en hechos reales y personales. El corto Abductees (1995), de Paul Vester, que
recreaba testimonios de supuestos abducidos por extraterrestres.
Otros
documentales animados son Waking life (2001), de Richard Linklater, con sus
diálogos filosóficos, o la autobiográfica Persépolis (2007), de Marjane Satrapi
y Vincent Paronnaud.
Vals con Bashir,
2008, de Goldman, recupera en clave
autobiográfica, la matanza sucedida en los campos de refugiados palestinos de
Sabra y Chatila durante la guerra del Líbano. Chicago 10, de Brett Morgen,
sobre el juicio a los Siete de Chicago, es un punto de inflexión en la historia
de la contracultura americana.
En Truth has
fallen (Sheila Sofian, 2009), se combina animación e imagen real, para denunciar
los casos de personas que han sido erróneamente encarcelados, mediante los
recuerdos de esos falsos culpables, en clave de pesadilla.
Nuevas técnicas mixtas en el cine de animación
Disney, Pixar y
DreamWorks, se encargaron de hacer realidad las mismas fantasías de siempre
para las nuevas generaciones, aunque con distintas técnicas; todavía se
precisaba de la mano del animador, aunque los computadoras desplazaron muchas
veces a los lápices. Hubo intentos de recuperar el viejo encanto como Tiana y
el sapo (2009), que no dieron los resultados de taquilla deseados. Los dibujos
parecía que terminaban para dar paso al computadora.
Sin embargo,
llega a finales de 2012 Rompe Ralph, última película de los estudios Disney,
que puede ser el comienzo de una nueva era para la animación. El filme es tan
digital como sus predecesoras (está producido en CGI o animación por computadora
e inspirado en un mundo tan sintético como el de los videojuegos), pero
representa la simbiosis más perfecta que haya conocido la industria entre las
dos y las tres dimensiones. Una comunión que no solo se da en el largometraje,
sino también en el cortometraje Paperman, que acompaña al estreno. Ambos
mundos, aparentemente antagónicos, se dan al fin la mano en un nuevo estilo en
el que el personaje creado por computadora se beneficia de esa sutileza que
solo la línea creada a mano es capaz de dar a la animación.
Los creadores de
Rompe Ralphanto provienen del campo de la animación informática, pero se han
unido a otros, como Mark Henn y Eric Goldberg, enamorados del trazo del lápiz,
que han creado un híbrido con lo mejor de los dos mundos, en una película que
mantiene vivo ese trazo, esa armonía y agilidad, pero dándole el volumen de la
animación por computadora. Con ello,
puede ser que se esté creando una nueva técnica.
En 2014,
DreamWorks, eterno rival de Pixar, proyecta su propio producto híbrido, Me and
my shadow, en donde se mezclará animación tradicional y por computadora. La
idea es animar de forma tradicional las sombras de unos personajes creados por computadora
en una historia donde el mundo de las sombras se rebela contra el de los
humanos.
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